Klanglandschaften ohne Kompass – Das Abenteuer Trio of Bloom

Der Keim für die Idee, aus der das Trio of Bloom hervorging, waren lediglich drei Namen und das grenzenlose Potenzial, das sie versprachen. Es sind der Keyboarder Craig Taborn, der Gitarrist Nels Cline und der Schlagzeuger Marcus Gilmore. Drei völlig einzigartige Künstler, die jedoch alle einen unerschrockenen Geist gemeinsam haben. Musikalische Allesesser mit unverwechselbaren Stimmen, die sich jeder Kategorisierung entziehen und den unermüdlichen Drang teilen, sich in bisher unentdeckte Klangwelten vorzuwagen. Auf ihrem am 26. September 2025 bei Pyroclastic Records erschienenen Debütalbum kommen Taborn, Cline und Gilmore zum ersten Mal zusammen. Wie die Blumen, die das Albumcover zieren, entfalten sie sich zu einem lebendigen Gebilde von strahlender Schönheit, erstaunlicher Lebendigkeit und sinnlicher Intensität.

Die ursprüngliche Inspiration kam von dem Produzenten und Dichter David Breskin, einem langjährigen Weggefährten aller drei Musiker. Er stellte sich vor, dass bei ihrem Zusammentreffen Funken sprühen würden. „Ich bin immer auf der Suche nach Möglichkeiten, gegenseitige Befruchtung zu fördern und Brücken zu schlagen”, erklärt Breskin. „Ich stelle gerne Menschen vor, die sich vielleicht aus der Ferne bewundern, aber noch nie miteinander in Kontakt gekommen sind. Ich wusste nicht, wie diese Kombination klingen würde, was für mich der spannendste Aspekt war.“

Konzeptionell knüpft Trio of Bloom an „Strange Meeting” an, das einzige Album von Power Tools, bei dem der Gitarrist Bill Frisell mit dem Bassisten Melvin Gibbs und dem Schlagzeuger Ronald Shannon Jackson zusammenarbeitete. Dieses von Breskin initiierte und produzierte alchemistische Projekt hat Generationen von Genre-Hybriden geprägt, darunter insbesondere Cline und Taborn. Die nachfolgenden Alben ähneln sich lediglich in ihrer kaleidoskopischen Vitalität, die jedoch wild und fesselnd ist. „Der kategorienlose, offene und rockige Präzedenzfall dieser Musik war für mich eine sehr befreiende Inspiration“, sagt Cline.

Bemerkenswert ist, dass sich diese drei eingefleischten Experimentalisten bisher noch nie in irgendeiner Form begegnet sind, obwohl ihre jeweiligen Kreise so groß sind, dass sie jedes Venn-Diagramm durcheinanderbringen würden. Cline hatte noch nie mit einem der beiden gespielt, und auch Taborn und Gilmore hatten zwar schon einige Male in Bands unter der Leitung von Chris Potter und Jakob Bro gemeinsam auf der Bühne gestanden, aber nie, wie Taborn es ausdrückt, „in einer kreativen Interaktion mit der Musik des anderen“. Als Breskin diese Idee vorbrachte, war das für mich also eine Selbstverständlichkeit.“

„Wir alle teilen die breitestmögliche Palette an Einflüssen“, fährt Taborn fort. „Ich wollte mich eher darauf stützen, als einen bestimmten Raum abzugrenzen. Ich war mir sehr bewusst, wie jeder spielte, also stellte sich die Frage, wie das Gesamtbild aussehen würde. Ich habe versucht, alle Möglichkeiten offen zu lassen und jedes Stück für sich zu betrachten.“

„Mein erster Gedanke war eine Mischung aus Aufregung und Angst“, beschreibt Cline.
„Diese Jungs sind echte Zauberer. Ich wusste nicht, wie wir vorgehen würden, aber wir fanden viele Gemeinsamkeiten und teilten viele Vorlieben.“

„Nels kennt sich in einem so breiten Spektrum der Musik aus“, fügt Gilmore hinzu. „Craig spielt auf so hohem Niveau und hat auch ein wirklich umfassendes Musikwissen. Es ist spannend, mit solchen Leuten zusammenzuarbeiten, weil man viel lernen kann.“

Breskin beauftragte jeden Bandkollegen, eine Auswahl neuer und überarbeiteter Eigenkompositionen sowie einen Coversong mitzubringen, der für das Trio geeignet war. Das Album beginnt mit Taborns Auswahl: Ronald Shannon Jacksons „Nightwhistlers“ von dessen Debütalbum Eye On You mit der Band Decoding Society aus dem Jahr 1980. Jacksons Jazz-Rock-Neuinterpretation eines Texas-Shuffles verwandelt sich in Gilmores Händen in einen mitreißenden Ausbruch. Cline wählte Terje Rypdals „Bend It“ aus dem 1973 bei ECM erschienenen Album What Comes After des norwegischen Gitarristen. Das Stück ist von einer geheimnisvollen und verstohlenen Atmosphäre durchzogen. Gilmore schlug „Diana” aus dem gemeinsamen Album Native Dancer von Wayne Shorter und Milton Nascimento aus dem Jahr 1975 vor. Die atemberaubende Interpretation des Trios nutzt die Möglichkeiten des Studios voll aus. Taborn spielt kristallklar Celesta, Cline schneidert flüchtige Loops und Gilmore stimmt seine Toms wie Pauken für jeden Akkordwechsel. „Es ist ein wirklich wunderschönes Stück“, sagt Gilmore, „aber es ist auch einschüchternd. Man kann nicht versuchen, es zu verbessern, weil es bereits perfekt ist. Also mussten wir es einfach anders machen.“ Cline fügt hinzu: „Das Original ist so tiefgründig, aber es wurde auf wirklich schöne Weise zu einer neuen Version. Und das musste passieren, sonst hätte es kaum einen Grund für seine Existenz gegeben.“

Taborns „Unreal Light“ ist die Verkörperung des Namens des Trios. Der Song entfaltet sich von einem schimmernden Drone zu einem verspielten, kantigen und schwer fassbaren Groove. „Why Canada“ katapultiert sich dagegen ans andere Ende des Spektrums und bietet einen ätzenden Ausbruch von abstraktem, stacheldrahtartigem Funk. Gilmores „Breath” hält für fünf Minuten die Zeit an und entführt in eine Welt voller ruhiger, gespenstischer Schönheit.

Cline steuert vier Stücke zum Album bei. „Queen King“, bei dem Cline eine mitreißende Basslinie spielt, erinnert an den Afrobeat-Riff von „King Queen“ vom Album Initiate der Nels Cline Singers, das von Breskin produziert wurde.
Aus diesem Album stammt auch „Forge“, das der Gitarrist wieder aufnehmen und erweitern wollte, um dem Trio eine Übung in „dieser dunklen King-Crimson- und Mahavishnu-Orchestra-Atmosphäre“ zu bieten. „Eye Shadow Eye“ ist eine neue, dreiteilige Komposition Clines, die mit einer zarten Ballade beginnt. In dieser stehen Taborns feinfühliges Klavierspiel und Gilmores knackige Brushwork im Vordergrund. Die Ballade mündet in einen prägnanten Blues-Teil, in dem Cline sein gewundenes Solo spielt, und gipfelt in einem hymnischen Finale. „Gone Bust“ ist eine kurze Skizze, ein abschließender Schock voller Energie, der den Vorhang fallen lässt.

Das Herzstück des Albums ist „Bloomers“, eine zehnminütige freie Improvisation, die die experimentellen Soundeffekte von Cline und Taborn mit den wechselnden Rhythmen von Gilmore zu einem vitalisierenden Ausflug an die Grenzen des Dub zusammenführt.

Die üppigen Bilder im Booklet von Trio of Bloom stammen von der Künstlerin Sharon Core. Sie hat neue Versionen von Bildern aus der legendären Sammlung „Flowers” des Fotografen Irving Penn aus dem Jahr 1980 gemalt. Die Bilder sind schön, ja, aber wie das bemerkenswerte Album, das sie schmücken, sind sie so viel mehr: Sie sind reich an Ideen über das Natürliche und das Synthetische, über Schöpfung und Neuinterpretation, über Interaktion und Individualität. Schauen bzw. hören Sie genau hin, und vieles wird unweigerlich erblühen.

Trio of Bloom vereint drei der mutigsten und originellsten Künstler der modernen kreativen Musikszene. Craig Taborn gilt seit 25 Jahren als eine der faszinierendsten Stimmen dieser Szene, sowohl als Pianist als auch als Elektronikmusiker. Er komponiert und tritt in einer Vielzahl von Bereichen auf, darunter Jazz, Neue Musik, Elektronik, Rock, Noise und Avantgarde. Er hat mit Größen wie Roscoe Mitchell, Wadada Leo Smith, Dave Holland, Tim Berne, John Zorn, Chris Potter, Vijay Iyer und Kris Davis gespielt und Aufnahmen gemacht. Nels Cline ist seit 20 Jahren vor allem als Gitarrist von Wilco bekannt. Er ist ein wahrer Gitarren-Universalgelehrter, dessen Karriere als Musiker und Produzent Jazz, Rock, Punk und experimentelle Musik umfasst. Das Rolling Stone Magazin kürte ihn zu einem der 100 größten Gitarristen aller Zeiten. Er leitet das Trio Nels Cline Singers, das Zwei-Gitarren-Projekt Nels Cline 4 mit Julian Lage und debütierte kürzlich mit seinem Consentrik Quartet, bestehend aus Ingrid Laubrock, Chris Lightcap und Tom Rainey, bei Blue Note Records. Der mit einem Grammy ausgezeichnete Schlagzeuger und Komponist Marcus Gilmore hat mit vielen der besten Musiker der Welt zusammengearbeitet, darunter Chick Corea, Pharoah Sanders, Vijay Iyer, Robert Glasper, Flying Lotus, Herbie Hancock und Pat Metheny.

Pyroclastic Records
Die Pianistin und Komponistin Kris Davis gründete das Label Pyroclastic Records im Jahr 2016, um Künstler bei der Verbreitung ihrer Werke zu unterstützen. Dadurch ermöglicht Pyroclastic sowohl aufstrebenden als auch etablierten Künstlern, die konventionelle Genre-Kategorisierung in ihren Bereichen weiterhin in Frage zu stellen. Zudem möchte Pyroclastic eine kreative Community beleben und fördern, indem es Möglichkeiten schafft, Vielfalt unterstützt und das Publikum für nichtkommerzielle Kunst erweitert. Die Alben des Labels enthalten oft Kunstwerke prominenter bildender Künstler: Ellsworth Kelly, Julian Charriére, Dike Blair, Raymond Pettibon, Sharon Core und Gabriel de la Mora sind nur einige Beispiele aus jüngster Zeit.

David Breskin, der seit den frühen 1980er Jahren Alben für Künstler wie Ronald Shannon Jackson, John Zorn, Bill Frisell, Tim Berne und Vernon Reid produziert hat, ist seit der Gründung des Labels eine treibende Kraft hinter den Projekten von Pyroclastic. Er ist verantwortlich für die renommierten Veröffentlichungen von Kris Davis, Ches Smith (zuletzt „Laugh Ash”), Patricia Brennan (zuletzt „Breaking Stretch”), Craig Taborn, Sylvie Courvoisier/Mary Halvorson, Ingrid Laubrock, Brandon Seabrook, Nate Wooley und vielen anderen.

Für 2025 sind Alben von Ingrid Laubrock, Sylvie Courvoisier und Mary Halvorson, Ned Rothenberg, Trio of Bloom (Craig Taborn, Nels Cline, Marcus Gilmore) und Patricia Brennan geplant.

(Jazz-Fun.de)